为什么听电音要抖腿(为什么听电音要抖腿呢)

电子音乐一度几乎完全与西方，特别是欧洲的艺术音乐连结，但自从1960年代晚期以后，因为摩尔定律造就了可负担得起的音乐科技，意味着使用电子方式制作音乐变的越来越在各国不同区域流行的领域普及与发扬起来。今日的电子音乐包含各式各样以及范围从实验艺术音乐到流行形式如电子舞曲。

中文名称

电子音乐

外文名称

Electronic Music

音乐风格

Glitch，IDM。Electro，EDM，Drum&Bass，Jungle，Bass Music，Breakbeat

简称

电音、电子乐

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TA说

争夺3亿观众：超150场电音节能把电音做成下一个嘻哈么？

很长时间里，电子音乐一直被寄予厚望，为何在2018年才出现百花盛开的场面？热闹背后，它是否也面临着小众音乐到主流层级跃升的监管风险？成为下一个音乐爆款尚未可知，成本大几千万的电子音乐节的商业模式，在国内立得住么...

TA说2018-02-27

发展初期

起源

19世纪晚期到20世纪早期

纪录声音的能力常被连结到电子音乐的产生，但不是绝对必要。最早的声音记录装置是1857年由法国人爱德华-里昂·史考特·迪马丁维尔（Édouard-Léon Scott de Martinville）注册专利的声波记录仪（phonautograph）。它外表上可以记录声音，但是无法回放。

1876年，工程师耶里夏·葛雷（Elisha Gray）发表了电子机械震荡器的专利。这个“音乐电报”由他于电话科技的实验以及早期尚存的电子声音制作的专利演变出。这个震荡器由亚历山大·格拉汉姆·贝尔为早期的电话延伸出来。1878年，汤玛斯·爱迪生由此震荡器进一步发展出留声机，跟史考特的装置类似，都使用了活塞。虽然活塞继续被使用一段时间，1887年爱米尔·贝利纳发展出了碟式的留声机。李·德富雷斯特于1906年的发明——3极真空管在之后的电子音乐有深刻的效果。它是第一个热电子阀或者称真空管，导致电路可以创造且放大音乐讯号、放送广播波形、计算数值，并且进行其他各种功能。

在电子音乐以前，作曲家们对于使用科技创作新兴音乐有着逐渐增加的期望。一些仪器使用电子机械设计来创造出并且铺陈出之后电子乐器的兴起。一个叫做电传簧风琴的电子机械仪器于1898年至1912年由泰岱斯·卡希尔发展出。然而，因为它巨大体积所造成的不便阻碍了它被大量采用机会。最常被提及的一项早期电子乐器为特雷门，由李昂·特雷门教授于1919年至1920年发明，是以手控制无线电波来制造声音。其他早期的电子仪器包括1915年由李·德富雷斯特发明的三极真空管钢琴；1926年由尼可莱·欧布科夫发明的十字发声器；以及1926年法国人莫里斯·马特诺发明的马特诺音波琴，后者被法国作曲家奥立佛·梅湘使用于知名的爱之交响曲，以及他之后的作品当中。马特诺音波琴还被安德烈·若利韦等其他主要的法国作曲家们所采用。

1907年，也就是三极真空管发明后的一年，意大利钢琴家及作曲家费卢西奥·布索尼出版了《音乐新美感的描述》（Sketch of a New Esthetic of Music），里头讨论到电子及其他新声源在未来音乐的应用。他写到未来在音乐的调微音调尺度，可能被卡希尔的电传装置加以实现：“只有长期而仔细的系列实验，以及持续的对耳朵加以训练，才能在将来的世代以其艺术里，令这种不熟悉的素材变成可达成且可塑造。”

布索尼在《音乐新美感的描述》中也陈述：

音乐作为一种艺术，即我们常称的西方音乐，已经几乎有400年的古老历史；目前仍处于一种发展状态，可能是超越现今概念的最初发展，然而我们谈论“古典”以及“神圣的传统”，却已经有很长一段时间了！

我们有着公式化的规矩，指定的原则，严格发号施令；……我们用这些规则培育一无所知的孩子！

如此年青的孩子，已足以令人察觉其拥有耀眼的特质，这特质令其明显超越所有的姐姐。制订规则者将看不见这非凡的特质，免得他们的规则被丢入风中。这孩子漂浮在空中！并非以脚接触地面，不知道万有引力定律，近乎无形。其材质透明，是能发出声响的空气，几乎就是大自然本身。它是——自由的！

然而自由是人类从未完全体会的东西，从未完整实现。他们也未能识别或承认。

他们否认这孩子的任务；他们令其背负沉重压力。这个有活力的家伙必须体面的走路，就像其他人一样。可能几乎不被允许跳跃——但他将娱快地跟随彩虹的的轨迹，并且利用云朵来切开太阳的光线。

经由此一著作，以及个人的直接接触，布索尼深深地影响了许多音乐家及作曲家。可能是他最著名的弟子埃德加·瓦雷兹就说道：[2]

我们在一起讨论未来世界会有什么样的音乐方向，甚至，是否应该继续受到调音系统的约束。他（布索尼）哀叹他自己的键盘乐器让我们的耳朵调适成只能接受自然界无限多声音阶层中的极小部分。他对我们刚知道的电子乐器非常有兴趣，记得特别清楚的是当他读到电传簧风琴那一刻。经由他的各种著作，我们可以发现对于未来音乐的预测已经一次又一次成真。事实上，几乎没有一项发展他没预测到，例如这个极不寻常的预言：“我几乎认为在这新的伟大音乐里，机器也将会变得必要，并且会在里头分配到一定的角色。也许，工业也是，将会在艺术境界的提升上占有一定的地位。”

在意大利，未来派艺术家以另一角度来达成音乐美学的改变。未来派艺术家哲学中的一个主要信念是珍视“噪音”，并且将之前没有被考虑，甚至离音乐性有点遥远的声音艺术和表现价值置放进来。巴利拉·普拉特拉在其著作《未来音乐的技术宣言》（1911年）中陈述到他们的信条是：“展示民众、大工厂、铁路、大西洋客轮、战舰、汽车及飞机的艺术灵魂。将机器以及电子的胜利王国领域加入音乐史诗的伟大中央主题。”

1913年3月11日，未来派艺术家路易吉·卢梭罗将他的宣言《噪音的艺术》出版。1914年4月21日，他在米兰举办第一次的“噪音的艺术”音乐会。其中使用到他的吟诵躁音（Intonarumori），据卢梭罗自己表示为“声学的噪音仪器，其声音（怒吼、呼啸、搅乱、汩汩水声等……）由人手启动，并且经由喇叭跟话筒来投射。”6月，他在巴黎举办了几场类似的音乐会。

第一发展时期

1920年代到1930年代；这十年带来了大量的早期电子乐器，以及第一次使用电子乐器作曲。第一部电子乐器称为以太发声器（Etherophone），是李昂·特雷门（出生时叫列夫·特雷门）于1919至1920年间在列宁格勒创造出来，后来重命名为特雷门。它带领出第一次针对电子乐器的作曲，与噪音制造器及其再衍生设备形成对比。1929年，约瑟夫·席林格创作了《特雷门与管弦乐团第一组曲》（First Airphonic Suite for Theremin and Orchestra），于克里夫兰管弦乐团进行首演，并由李昂·特雷门担任独奏。

除了特雷门之外，马特诺音波琴于1928年由莫里斯·马特诺发明，并在巴黎首次露面。

隔年，乔治·安泰尔第一次为机械装置、电子噪音制造器、马达及扩音器作曲，应用于他未完成的歌剧《花先生》（Mr. Bloom）。

录音设备的发明使得电子音乐有了跳跃式的演进。1927年，美国发明家J·A·欧尼尔（J. A. O'Neill）利用在橡胶表面涂布一层磁性物质，开发了一种录音装置，然而在商业上却失败了。两年后，劳伦斯·汉门为制造电子乐器而建立了他自己的公司。他继续制造汉门式电风琴，这是基于特雷门的原理，并伴随包括早期回响装置等其他发明。汉门与约翰·汉那特（John Hanert）、C·N·威廉斯（C. N. Williams）继续合作开发其它电子乐器，例如诺瓦合音琴是由汉门的公司于1939至1942年间制造。

用于电影艺术上的光学声音纪录方法让声音的影像可视化变为可能，除此以外也领悟到另一面—从一人造的声音波形来合成声音。在同一时期，听觉艺术实验开始进行，早期的参与者有崔斯坦·查拉、柯特·希维特斯及菲利波·托马索·马里内蒂等人。

第二发展时期

1940年代至1950年代，低传真磁性钢丝录音大约从1900年就开始使用。到了1930年代初期，电影工业开始转换成基于光电池而开发的新型光学式声音伴随影片录像系统。大约在同一时期，德国电子公司AEG发展出第一套实用化录音带系统“磁音机”K-1，并于1935年8月在柏林国际广播展发表。磁带比唱片在录音技术上有更大的弹性，可以重新再录，亦可以剪接。自此以后，磁带被广泛应用于收音机广播及有声电影。

在第二次世界大战期间，瓦尔特·韦伯（Walter Weber）再发现并且应用了交流偏磁技术，该技术借由加入一个听不见的高频音调，戏剧性地改善了磁性录音的保真度。它将1941年份K4磁音机的频率曲线延伸至10kHz，并且提升动态范围至60dB，超越当时所有已知的录音系统。

早在1942年，AEG就已经进行立体声录音的测试。然而这些装置和技术一直对德国以外地区保密，直到二次大战结束，当时被捕获的磁音式录音机及数卷法本公司生产的氧化铁录音带被杰克·穆林等人带回美国。后来Ampex公司就在这些录音机及带子的基础上，发展出美国制造的第一部商业化专业带式录音机Model 200，并获得艺人平·克劳斯贝的支持，而他也成为第一批将广播节目及专业录音室录音复制在录音带上的艺人之一。

磁性录音带为音乐家、作曲家、制作人及工程师在声音表现的能力上开拓了一个广大的空间。录音带相对便宜而且非常可靠，它重制的保真性也比当时任何的声音保存媒介更好。更重要的是，它提供如同电影胶卷般的操作可塑性，而不像唱片一样死板。带子可以在录音或是播放期间减速、加速或甚至倒带，因而常有着惊人的效果。它几乎可以如同电影胶卷一般在实体上编辑，允许录音里不需要的段落被无缝的移除或置换；同样地，其他来源的录音带段落可以被编辑进去。录音带也可以结合成无止尽的循环效果，也就是重复播放先录好的素材。音效放大器以及混音设备可进一步扩展了录音带的表现能力，允许多重预录各种声音（现场声音、演说或音乐），再加以混合并同时录制到其他带子，仅会有相当些微的保真度损失。其他预料之外的收获是录音机可以相对简单地修改成回音机，用来制作复杂而可控制的高品质回声及混响效果（这些大部分不可能以机械方式达成）。

录音带的扩散最终导致了电子声学录音带音乐的发展。第一个已知的例子是1944年由哈利姆·埃尔-达巴作曲的，当时他的身份是埃及开罗的一个学生。他利用笨重的钢丝录音机录制具有古老传统的萨尔典礼，并在中东广播电台录音室使用混声、回声、电压控制以及再录制处理这素材。该成果命名为《萨尔的表达》（The Expression of Zaar），并于1944年在开罗的一个艺廊演出。虽然他以录音带为基础所作成的初步实验并未传播到埃及以外地区，埃尔-达巴仍然以其后来在1950年代晚期于哥伦比亚-普林斯顿电子音乐中心所创作的电子音乐作品而广为人知。

主要类别

法国具体音乐

在此前不久，巴黎的作曲家也开始利用录音带来发展一种称为具体音乐的新作曲技术。这项技术牵涉到将事先录好的大自然与工业声音的片段编辑在一起。巴黎的第一个具体音乐片段是由皮耶·薛菲组合而成，他后来则与皮耶·亨利合作。

1948年10月5日，法国广播公司（RDF）播送了作曲家皮耶·薛菲的作品《火车习作》（Etude aux chemins de fer）。这是《噪音的五项研究》（Cinq études de bruits）的第一个乐章，标志了录音室实际化与具体音乐（或听觉艺术）的开始。薛菲采用一部切割圆盘用的车床、四部录音转播机、一部四频道混音机、滤波器、一间回音室以及一套便携式录音设备。在此后不久，亨利开始与薛菲合作，这个合作关系可能对电子音乐的方向有深刻而持久的影响。另一位薛菲的伙伴埃德加·瓦雷兹开始创作《沙漠》，一首为室内乐团与录音带创作的作品。录音带的部分在皮耶·薛菲的录音室制作，并且之后在哥伦比亚大学作修订。

1950年，薛菲在巴黎高等音乐师范学院举行了具体音乐的第一次公开音乐会（非广播）。“薛菲使用一套公共播放系统、好几部录音转播机以及混音器。这个表演并不够好，因为使用录音转播机创造现场综合表演的手法从来没有被做过。”同年稍后，皮耶·亨利与薛菲共同创作了具体音乐的第一个主要作品《孤独人交响乐》（Symphonie pour un homme seul）。1951年，由于世界潮流所趋，RTF（原RDF合并电视业务而成）在巴黎建立了第一个制作电子音乐的录音室。同样在1951年，薛菲与亨利为具体音乐与人声创作了一部歌剧《奥菲斯》（Orpheus，希腊神话中弹竖琴的名手）。

德国电子音乐

卡尔海因兹·史托克豪森曾于1952年在薛菲的录音室短暂工作过，之后多年都在WDR位于科隆的录音室从事电子音乐工作。

1953年，NWDR在科隆正式设立广播录音室，后来成为全世界最有名的电子音乐录音室。其实早在1950年该录音室就已着手筹备，并在1951年就有产出作品并进行广播。该实验室是威纳·梅尔-艾普勒、罗伯特·贝尔（Robert Beyer）与赫伯持·艾默特（他成为第一个编辑者）等人的智慧结晶，不久又加入了卡尔海因兹·史托克豪森与哥特弗里德·迈可·寇尼格。梅尔-艾普勒曾于1949年在他的论文《电子发声器：电子音乐与合成语音》（Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache）中推想出完全以电子制作信号合成音乐的概念；在这方面，德国的电子音乐明确地与法国的具体音乐区分开来，因为具体音乐是使用实际声音作为来源。

“由于施托克豪森及卡赫尔的坐阵，该录音室变成一年到头参访者络绎不绝、极富魅力的前卫大本营。”这是在两次结合电子产出声音与传统管弦乐团的作品——《混合》（1964年）与 《赞美诗，第三区与管弦乐团》（1967年）发表后所获得的评价。史托克豪森表示他的听众反应说他的电子音乐带给他们一个“外太空”的体验、飞行的感觉或是感觉身处“奇幻梦境”。最近，史托克豪森改在他位于屈尔滕的私人录音室制作电子音乐，他的最新作品在传媒中叫做《宇宙脉动》（2007年）。

日本电子音乐

当早期的电子乐器例如马特诺音波琴、特雷门与特劳乌特琴在第二次世界大战前的日本仍极少为人所知时，当时的一些作曲家如柴田南雄就已经知道这些乐器。战争结束后好几年，日本音乐家开始实验电子音乐；在一些机构的赞助下，作曲家得以应用最新的声音录制及处理设备。这些努力展现亚洲音乐与新兴潮流的融合，并且最终为日本在数十年后成为音乐科技发展的主宰者铺设了一条道路。

随着电子公司索尼（当时称为东京通信工业株式会社）于1946年的创建，两位日本作曲家武满彻与柴田南雄于1940年代晚期各自写到关于电子科技制作音乐的可能应用。在1948年，武满彻构想出一项新科技，可以“在一个小而拥挤管子内，将噪音与协调的音乐旋律结合在一起。”此与同年度皮耶·薛菲的具体音乐概念颇为相似。当时武满彻的构想并未受到注目，并持续了好几年。1949年，柴田南雄提出“一种高性能乐器”，可以“合成任何类型的声波”并且“非常容易操作”，他预测有了这种乐器，“音乐的情境将有突破性的改变”。同年，索尼发展出磁带录音机G-Type，它成为法庭及政府机关里最受欢迎的录音装置，也导致索尼于1951年发表家庭用版本H-Type。

1950年，一群音乐家共同成立“实验工坊”电子音乐工作室，使用Sony磁带录音机制作实验性电子音乐。参与的音乐家有武满彻、秋山邦晴及汤浅让二等。Sony赞助该工作室，让音乐家们得以接触最新的音频科技，同时也雇用武满彻创作磁带音乐来展示其磁带录音机，并举办音乐会。该团体最早产出的电子磁带音乐作品是《被束缚的女人》（日语：囚われの女）及《作品B》（Piece B），由秋山邦晴于1951年完成。他们创作的许多电声音乐录音带作品常被用于广播、电影及剧场的配乐。他们也举办了一些音乐会，例如1953年的《实验工作坊，第五次展示》，该场使用一部由Sony发展的自动投影机器，让投影展示与录制于录音带上的原声音乐同步化变为可能；他们在Sony的工作室使用相同装置制作了此场音乐会的录音磁带。这场音乐会伴随着他们制作的实验性电子声学磁带音乐，形同为那年稍后引进日本的具体音乐预作了准备。除了实验工坊以外，有几位作曲家如芥川也寸志、富永三郎与深井史郎也于1952至1953年间进行了制作广播声效磁带音乐的实验。

日本经由黛敏郎引进了具体音乐，他在1952年参与了薛菲在巴黎的音乐会。回到日本以后，他为1952年的喜剧片《纯情的卡门》实验性制作了一个简短的磁带音乐作品，并且制作了《X、Y、Z为具体音乐》，于1953年由日本文化放送（JOQR）电台播放。黛敏郎也为三岛由纪夫的1954年广播剧《拳击》制作了另一首具体音乐作品。然而，薛菲的法国概念“声音物件”并没有影响到日本作曲家，取而代之的是他们的主要兴趣——音乐科技，如同黛敏郎所言，克服“人类表现材料与范围”的限制。这导致了一些日本电声音乐家使用序列主义和十二音技法于作品上，例子有入野义朗的1951年十二音体系作品《照相机的音乐会》（意大利语：Concerto da Camera）、黛敏郎的《X、Y、Z为具体音乐》及其后柴田南雄的1956年电子音乐作品。

在建立于1953年的科隆录音室引导下，日本NHK公司也于1954年在东京建立了电子音乐全球领先机构之一的“NHK录音室”。配备有音调产生及音讯处理设备、录音与声光设备、马特诺音波琴、单弦乐器以及旋律和弦发声器、正弦波震荡器、带式录音机、鸣响调谐器、带通滤波器及4通道与8通道混音器。该录音室相关的音乐家有黛敏郎、柴田南雄、汤浅让二、一柳慧以及武满彻。录音室的第一批电子音乐作品于1955年完成，包括黛敏郎使用录音室的各种音调产生设备制作的5分钟作品系列：《研习一：依质数比例的正弦波音乐》、《依依质数比例的协调波音乐》及《方波与锯齿波的发明》。以及柴田南雄的20分钟立体声作品《为立体声广播的具体音乐》。

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